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‘Deux femmes et quelques hommes’, réalisé par Chloé Robichaud est la comédie débridée et joyeuse qu’il vous faut voir en mars… Un clin d’œil à la vie mais qui ne doit pas nous empêcher de réfléchir !

Thu, 26 Feb 2026 17:00:00 +0000

Comédie québécoise, entre fou-rire, éclat de rire et dérision ; ‘Deux femmes et quelques hommes’ de la réalisatrice Chloé Robichaud est une invitation à nous questionner sur nos relations, nos envies et ce monde dans lequel nous vivons et qui parfois nous dépasse et nous laisse en plan. Pince sans rire, très drôle par moment et à d’autre carrément irrévérencieux, ‘Deux femmes et quelques hommes’ ce sont deux voisines de palier qui vont se redécouvrir chacune à sa manière, chacune d’une façon qui aura des conséquences, bien évidemment différentes ! Si l’on parle ici du désir féminin - pas très évoqué dans le cinéma québécois - l’histoire apporte son lot de réflexions nous les proposant au gré de péripéties parfois rocambolesques, avec ses bons mots, ses situations scabreuses (ou peu s’en faut) mais surtout éminemment savoureuses.

Entre couples qui s’ignorent, ce quotidien qui finit par s’attaquer à la plus petite étincelle de folie et d’envie ; on joue un peu avec cette image, celle de nos sociétés où on se laisse dévorer par le temps et les futilités. Problématique de couple, manque de libido et réalité du stress et des obligations que nous nous imposons ; le film s’amuse avec les clichés tandis que la réalisatrice joue avec les fantasmes (ceux de ses deux personnages féminins), et réinvente ces situations ou l’on se projette avec l’autre.
Conflit, manque d’écoute ou incompréhension, nous sommes ‘joyeusement ballottés’ dans cette comédie irrévérencieuse et qui pique la ou ça fait mal !
Car c’est bien là la force du film que de ne pas s’appesantir sur les péripéties parallèles, tout comme de ne pas s’attarder sur les personnages (trop) secondaires ; et de s’attaquer ainsi au sujet, d’actualité, et tellement moderne.

Et puis ‘Deux femmes et quelques hommes’, ce sont surtout des situations cocasses, telle celle du hamster qui a pris plus d’importance que l’autre au sein du couple, ce sont ces petites piques et ces attaques sur ce que représente la prison (l’enfermement au quotidien) cet absence d’écoute et d’empathie. C’est également ce regard porté sur la jeune Maman qui vient d’accoucher et qui est un peu perdue, et dont le mari la néglige (voire plus…)… Finalement autant de situations et de thèmes qui s’inscrivent dans un courant révélateur de nos maux modernes et de cette insécurité psychologique permanente.
On rit beaucoup à la scène du déshabillage (effeuillage !) improvisé à la fenêtre, sous les yeux ébahis d'un ouvrier perché sur un poteau : on sourit alors qu’on assiste à une recherche de ‘postulants’ adéquats parmi les fiches des candidats de sites de rencontre. Et puis avouons que la réalisatrice ose des scènes qui deviennent d’anthologie avec ce petit brin de folie, et un caractère assumé et totalement désinhibé ; celle du cunnilingus à elle seule vaut le détour, un brin suggestive mais sans aller trop loin, soulignant simplement l’abandon de la jeune maman !
Mais reconnaissons aussi que voir le plaisir ou le désir se manifester chez une femme est bien plus joli que s’il s’agissait de celui d’un homme ; et là, la réalisatrice touche une corde sensible, et probablement ancre son film dans une dynamique moderne et nécessaire, après #MeToo, après des procès qui soulignent des indignités sans nom. … et après, après… la liste est bien trop longue, encore plus alors que certains mouvements traditionalistes (on pense aux ‘trad wives’ aux USA) renverraient presque les femmes dans les conditions qui étaient les leurs au XIXème siècle !
Alors reconnaissons que la réalisatrice offre de bien jolis portraits à ses actrices et les dépeint avec tendresse et finesse.

Nous avons été touchés par la sincérité et la justesse du propos, par l’énergie qui se dégage des actrices (et des acteurs également) et par le ton, drôle, caustique et ‘vrai’ ! …Rien d’exagéré dans cette histoire, avec ces personnages piégés dans une existence cadré et sans réelle possibilité d’évasion. Mais quel plaisir d’accompagner FLORENCE et VIOLETTE dans leurs explorations.

Le film est sur les écrans le 4 mars.

Synopis : Violette et Florence sont voisines de palier et s’observent. L’une, en congé maternité, est à fleur de peau ; l’autre, en arrêt de travail, ne ressent plus rien. Leur rencontre bouscule soudain leur quotidien monotone et leur regard sur les hommes.... Et s’il était temps d’envisager une révolution sexuelle ?

Sylvain Ménard, février 2026

EQUIPE TECHNIQUE ET ARTISTIQUE
Réalisation : Chloé Robichaud
Scénario : Catherine Léger
Production : Martin Paul-Hus, Catherine Léger
Maison de production : Amérique Film
Direction de production : Michel Croteau
Production exécutive : Fabrice Lambot, Pierre-Marcel Blanchot
Direction de la photographie : Sara Mishara
1re assistante à la réalisation : Noémie Sirois
Direction artistique : Louisa Schabas
Création de costumes : Patricia McNeil
Maquillage : Djina Caron
Coiffure : Vincent Dufault
Prise de son : Stephen De Oliveira
Montage image : Matthieu Bouchard, Chloé Robichaud
Conception sonore : Sylvain Bellemare
Mixage : Luc Boudrias
Musique originale : Philippe Brault
Distribution des rôles : Karel Quinn & Lucie Llopis

CASTING
FLORENCE : Karine Gonthier-Hyndman
VIOLETTE : Laurence Leboeuf
DAVID : Mani Soleymanlou
BENOÎT : Félix Moa
ÉLI : Juliette Gariépy
JESSICA : Sophie Nélisse

"L'Eden", le nouveau film de Cheyenne-Marie Carron, sort le 15 avril… Tout en spiritualité et en résilience, il nous adresse un message d’espoir

Tue, 17 Feb 2026 15:50:00 +0000

Dix-septième long-métrage de la talentueuse Cheyenne-Marie Carron, "L’Eden" nous invite à découvrir un lieu banal et presque sans intérêt, mais qu'elle nomme du nom du paradis terrestre, cette terre promise. Avec humanisme et simplicité, la réalisatrice nous offre une belle histoire qui aujourd'hui prend encore plus d'importance et nous propose de nous questionner sur nos comportements et la vie que nous avons choisi de vivre ; avec en toile de fond la fraternité et l'empathie.

Après "Que notre joie demeure" en 2024 ; et "L’Agneau", sorti quant à lui en 2025, Cheyenne-Marie Carron revient avec un sujet d'actualité qu'elle transforme en un conte moderne et empli d'espoir, où curieusement nous vient à l'esprit le terme de 'spiritualité'.

De la lenteur et de ce sentiment de paix intérieure qui se dégage parfois à la vision du film, et de ces instants où le doute émerge, des conflits sous-jacents et de l'angoisse qu'on perçoit ; nait une œuvre profondément sincère et unique, car elle nous invite à l'introspection et dans le même temps à l'ouverture aux autres. Doté d'une solide distribution avec ses acteurs d'horizons et de confessions différentes, le métrage prend des allures de parabole et de message autant philosophique que résolument humaniste… Et avouons le tout net, en ces temps d'égoïsme et de repli sur soi, sa vision nous offre un réconfort certain.

Avec subtilité - car il en faut - la réalisatrice nous demande de nous poser les bonnes questions, non pas quant à notre spiritualité ou notre foi, et ce quelle que soit la forme qu’elles prennent ; mais bien quant à notre capacité à ‘ouvrir les yeux’ et à nous affranchir de nos idées reçues. Et lorsqu’on parle du Proche Orient, de la paix et de la cohabitation entre cultures et fois différentes, quitte à user du terme de ‘coexistence pacifique’, nul doute qu’il n’y ait débats et avis tranchés.

Alors que nous soyons croyants ou non, ou bien qu’il y ait une étincelle en nous, de celle qui nous fait espérer que demain puisse être meilleur ; "L’Eden", sans exagération mais par petites touches, insistant sur la tolérance et la compréhension, finit par nous apporter comme une sensation de délivrance, comme si nous entrions en communion avec cette terre que filme la réalisatrice et ces humains qui la peuple, aussi différents qu’inspirés par des sources spirituelles ou philosophiques autres.
Film profond, que Cheyenne-Marie Carron porte à bout de bras, "L'Eden" est un magnifique message, sans aucune facilité, et surtout sans jugement ni pathos ; un message qui sublime ce que l'humain porte de meilleur en lui, sa capacité à écouter et à comprendre.

Synopsis : Joseph, 30 ans, chrétien de confession, se consacre à sa petite chapelle perdue sur les terres du Moyen-Orient. Régulièrement, il est amené à rencontrer des patrouilles de soldats israéliens et des religieuses dans un couvent. Dans ce contexte géopolitique tendu, il reste à l’écart du conflit et développe des relations amicales avec tous. Au fil du temps Joseph tissera une relation amicale, fraternelle, avec Ruben, soldat Israélien. Jusqu’au jour où leur chemin croiseront celui d’un Islamiste gravement blessé…

Sylvain Ménard, février 2026

Casting :

Rôles principaux :
Johnny AMARO
Dan KADOSH
Sofiane KADDOUR

Rôles secondaires :
Frédérique NAHMANI
Joëlle HADDAD
Mikael PEREZ
Adhal BARRA
Habib GUABINTANI
Love BOWMAN

Technique :

Réalisatrice, Productrice, Cheffe opératrice, Régisseuse Générale : Cheyenne-Marie CARRON
1er assistant mise en scène : Jonathan LOUIS
2nd assistant mise en scène : Farès BEN MAOUYA
Assistant Caméra / pointeur : Louis VIAU
2nd Assistant Caméra : Orianne MES
Chef Electro : Hugo JAMAIN
Ingénieur de son : Mathieu ORBAN
Perchman : Félix VATON
Costumière : Marina MASSOCCO
Scripte : Marion BALCON
Régisseur : Gregory LEMOINE
Régisseur : ANWAR LAADAM

Liens articles :

Que notre Joie Demeure
https://www.cinemaradio.net/news/que-notre-joie-demeure-le-film-profondement-humain-et-poignant-realise-par-cheyenne-carron-sort-sur-nos-ecrans-le-24-avril-730

L’Agneau
https://www.cinemaradio.net/news/le-dernier-film-de-cheyenne-marie-carron-lagneau-est-sur-nos-ecrans-cest-un-film-qui-vous-saisira-vous-interpellera-901

‘Le Chasseur de Baleines’ signé Philipp Yuryev, un film sobre et réfléchi, une réflexion sur la fin de l’enfance, nos aspirations et nos besoins

Wed, 28 Jan 2026 07:45:00 +0000

En traitant - d’une façon relativement universelle - d'une quête personnelle, d’émancipation et de rêves ; le réalisateur russe Philipp Yuryev, invite le spectateur dans sa propre illustration de cette dimension si intime, cette quête initiatique.
Cette recherche que nous devons tous mener et qui nous offrira la possibilité de grandir et de nous affranchir, par moment prend une forme onirique, nous montrant de grand espaces, un infini de plaines et une mer souvent déchainée… et dans ce qui prend des airs de road-movie, nous assistons à la fin de l’enfance et au passage de l’adolescence à l’âge adulte.

C’est un métrage finalement très référencé que nous propose le jeune réalisateur Philipp Yuryev. Certes nous sommes sur un terrain ‘classique’ de forme, illustrant l’isolement et une vie austère, celle d’un jeune homme qui se sent perdu dans son village isolé en bord de mer dans le détroit de Béring. Ainsi ‘Le Chasseur de Baleines’, c’est l’histoire de Leshka, qui se confronte à des ‘visions d’ailleurs’ - par le biais de l’accès à internet - par cette ‘attirance’ et ce besoin qu’il ressent de découvrir ce voisin tout proche, les États-Unis. Et c’est surtout un film sur la transition qui s’opère à la fin de l’adolescence, entre l’épanouissement propre à chacun, les désirs, l’envie de changer et de découvrir ; et cette mise à disposition d’une multitude de choses (et pour certaines contestables) - il est difficile d’user d’autres mots - sans filtres et sans repères qu'offre internet et nos échanges modernes (trop).
Ainsi l’émancipation telle que racontée par Philipp Yuryev, passe par l’acceptation de ce que l’on est, par nos décisions et notre volonté de nous affranchir de ce que nous étions… de grandir !

‘Le Chasseur de Baleines’ prend sous nos yeux la forme d’une belle quête initiatique, celle de Leshka, un jeune homme simplement confronté à ses envies, lesquelles lui apparaissent fréquemment comme des besoins, alors qu’elles ne sont que des pulsions. Cette dimension est évoqué alors avec tendresse par le réalisateur, qui laisse son personnage vivre ses expériences et apprendre d’elles, se confronter à la réalité et se trouver.
Ce parcours n’est pas sans embûches, mais comme dans toute quête et mise à l’épreuve, Leshka trouvera sa voie et se trouvera, lui.
C’est d’ailleurs ici que la quête de notre personnage prend cette tournure si caractéristique, lors de son cheminement (dans tous les sens du terme), parcourant des paysages austères et magnifiques, se questionnant et se perdant avant de se retrouver, le tout cadré dans un 4:3 qui nous enferme et nous impose de le suivre quelle que soit sa destination.

Assez envoûtant, ce voyage poétique et immersif, que désormais nous pouvons nommer quête, délivrera son message entre comédie et drame, et avant tout avec une profonde humanité.

Synopsis : Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs...

Sylvain Ménard, janvier 2026

CASTING
Leshka : Vladimir Onokhov
Le garde-frontière : Arieh Worthalter
La fille d’Amérique : Kristina Asmus
Kolyan : Vladimir Lyubimtsev
Le grand-père : Nikolay Tatato
La blonde : Maria Chuprinskaya

ÉQUIPE TECHNIQUE
Scénario et réalisation : Philipp Yuryev
Images : Mikhail Kursevich, Yakov Mironchev
Montage : Karolina Maciejewska, Alexander Krylov, Philipp Yuryev
Son : David Vrancken
Musique : Krzysztof A. Janczac
Costumes : Boris Kukolkin
Maquillage Lana Kaun
Direction Artistique et Production : Aleksey Uchitel
Co-Production : Kira Saksaganskaya, Marion Hänsel, Jacek Kulczy- cki, Magdalena Zimecka, Radoslawa Bardes

Sortie ce mercredi 28 janvier de ‘Promis le ciel’, la nouvelle réalisation d’Erige Sehiri, un film qui nous parle de racisme, d’exploitation et de mépris

Mon, 26 Jan 2026 14:00:00 +0000

Après son précédent film ´Sous les figues’, Erige Sehiri nous convoque avec ´Promis le ciel’, pour une confrontation avec trois femmes, trois héroïnes, trois femmes d’Afrique noire, là bas en Tunisie.
S’inscrivant dans un contexte géo-politique et culturel complexe, la réalisatrice traite d’un sujet délicat et aux relents de racisme, avec cette question troublante quant au devenir des migrantes, ici des ivoiriennes, exilées en Tunisie.

Il est au préalable à noter que la vision de la réalisatrice de l’Afrique dans son ensemble, et de son pays en particulier, est toujours aussi fine et révélatrice de ce temps qui passe et des préjugés qui demeurent quant à la vie des uns et des autres, de leurs coutumes ou de leur traditions.
Ce qui était déjà le cas avec ´Sous les figues’, trouve avec ‘Promis le ciel’ un écho - même s’il est différent, le sujet l’étant - avec cet ancrage dans le quotidien et ce vécu de trois migrantes, trois femmes dissemblables, mais unis dans une même volonté de se battre et d’accéder à une vie meilleure.
L’intelligence du propos est évidemment en premier lieu de mettre en relation des réalités actuelles (et factuelles…) avec la crise des migrants, le racisme dont peuvent souffrir les populations noires en Tunisie, et cette problématiques du monde moderne, des femmes et de leur place.
Comme toujours, les portraits que fait Erige Sehiri de ces personnages sont particulièrement bien esquissés, les actrices et les acteurs, toujours dans leur rôle, tout en nous offrant des interprétations de qualité.
Le sujet est universel, faisant référence à la vie des gens et à leurs droits, sans omettre de pointer du doigt les manquements des gouvernements aux promesses qu’ils avaient pu faire. Mais il met également en exergue les sursauts des individus, leurs luttes pour survivre parfois… et l’entraide qui en découle.

La réalisatrice nous invite ainsi à porter notre regard sur les difficultés inhérentes au continent africain, celui de la migration, celui du regard des autres et de l’ostracisme ; et ces discours accompagnent les pérégrinations de ces trois migrantes, qui envers et contre tout, continuent d’avancer et d’essayer de s’affirmer.
Sans doute le sujet est-il plus ‘sombre’ ici, plus austère ; et dans sa façon d’être traitée, et dans sa façon d’être appréhendé par le spectateur. N’en demeure pas moins que la réalisatrice brosse trois beaux portraits, ceux de ces femmes modernes et combatives dans un pays et sur un continent qui lentement évoluent.

Synopsis : Marie, une femme pasteur ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays. Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre mais agitée dans un climat social de plus en plus préoccupant.

Sylvain Ménard, janvier 2026

Promis le ciel (2025)

Distribution :
Aïssa Maïga : Marie
Laetitia Ky : Jolie
Debora Lobe Naney : Nanney
Estelle Kenza Dogbo : Kenza
Foued Zaazaa : Foued

Technique :
Réalisation : Erige Sehiri
Scénario : Erige Sehiri, Anna Ciennik, Malika Cécile Louati
Photographie : Frida Marzouk
Montage : Nadia Ben Rachid
Musique : Aymen Laabidi
Production : Didar Domehri, Erige Sehiri
Sociétés de production : Henia Production, Maneki Films
Sociétés de distribution : Jour2fête (France) ; Luxbox (international)

Lien : https://www.cinemaradio.net/news/sous-les-figues-le-film-intemporel-de-erige-sehiri-sort-sur-nos-ecrans-le-7-decembre-505

‘Olivia’, le film d'animation avec marionnettes réalisé par Irene Iborra Rizo est un film sensible et résilient, un film qui nous plonge dans l’enfance mais également dans un monde d’adulte sombre et angoissant…

Mon, 26 Jan 2026 09:00:00 +0000

Sur ce beau film d’animation avec des marionnettes, la réalisatrice espagnole Irene Iborra Rizo nous invite à découvrir la jeune Olivia, dont la vie se trouve chamboulée du jour au lendemain. Comme fréquemment avec le cinéma espagnol, le sujet est social, mais par le biais de ce prisme que représente le cinéma d’animation, la réalisatrice offre - au jeune et moins jeune spectateur - une vision plus épurée et débarrassée des caricatures ou des figures de style dans lesquelles on se complait, afin d’en tirer l’essentiel et de nous amener à voir les choses différemment.
Sans verser dans la facilité de l’étude psychologique, le métrage offre un bel équilibre entre une certaine noirceur - on parle de déclassement social tout de même - de paupérisation - et le réalisme qui va avec ; et ces péripéties que vivent les enfants et qui les voient s’entraider.

Aussi c’est au niveau des choix scénaristiques qu'Irene Iborra Rizo, s’affranchit d’une ‘norme’, et de ‘standards’. Ainsi y a-t -il comme une sorte de magie qui surgit par instants dans le film, des moments de beauté ou de tensions qui prennent la forme de cauchemars, et soulignent l’extrême faiblesse psychologique des personnages. Mais comme nous voyons le monde - ce monde-ci - au travers de leurs yeux, nous adoptons un autre point de vue. Et c’est alors que cette histoire d’une famille qui se retrouve à la rue, étant obligé de trouver un appartement par le biais d’une association, touchera tous les publics… et s’avèrera universelle !
On y parle de difficultés d’intégration et du destin qui frappe les gens ou de l’indifférence qui régit ce monde ; mais on y parle aussi d’entraide, d’empathie et de générosité ; et de la possibilité de prendre un nouveau départ. Et au travers de ces regards d’enfants, la réalisatrice nous parle d’espoir.

Le fait d’exprimer des sentiments complexes et de mettre en scène les drames qui nous frappent - cette vie qui soudain devient ‘invivable’ - ajoute à la complexité du propos, et dans le contexte d’un film d’animation, représente une prise de risque évidente.
Mais la technique utilisée, le soin apporté aux personnages et à leur caractères, font qu’ils gagnent en crédibilité ; et que, quand bien même ils ne sont pas réalistes, cela permet au spectateur de se sentir concerné et touché par l’histoire et ses protagonistes.
Même si l’on sent qu’il y a un rapprochement à faire avec l’histoire récente et les crises que nous vivons ; le sujet, de grave, devient plus léger, faisant ressortir grâce à ces enfants pugnaces et mobilisés, le meilleur de l’être humain. Une belle leçon d’humilité pour nous autres adultes, et d’espoir en l’avenir, en ce que - EUX - pourront en faire !

La grande complexité du travail avec les marionnettes, c’est qu’il faut réussir à leur donner de la texture et une âme ; et sur ce film il est plus qu’évident que l’équipe technique, les concepteurs, les peintres, les marionnettistes… les animateurs ; ont réussi au-delà de toute attente. L’amour mis au service d’une belle histoire, c’est également ce qui nous aura marqué ici.
OLIVIA est un joli film pour tous les âges, un message et une réflexion nécessaire sur le devenir, la résilience des enfants et de la force qu’ils portent en eux.

SYNOPSIS : À 12 ans, Olivia voit son quotidien bouleversé du jour au lendemain. Elle va devoir s’habituer à une nouvelle vie plus modeste et veiller seule sur son petit frère Tim. Mais, heureusement, leur rencontre avec des voisins chaleureux et haut en couleurs va transformer leur monde en un vrai lm d’aventure ! Ensemble, ils vont faire de chaque dé un jeu et de chaque journée un moment inoubliable.

L’article sur la musique du film ici…

Sylvain Ménard, janvier 2026

Équipe artistique :
Réalisation : Irene Iborra Rizo
Scénario : Irene Iborra Rizo, Júlia Prats, Maite Carranza,
Adapté du roman La vie est un film (La pellícula de la vida) de Maite Carranza publié en français par Alice Éditions
Création graphique : Morgan Navarro
Produit par Mikel Mas Bilbao, Ramón Alós, Irene Iborra Rizo, Eduard Puertas, Jean-François Le Corre, Mathieu Courtois, Hugo Deghilage, Vincent Tavier, Bernardita Ojeda, Nicolas Burlet
Directrice de production : Susana Martín
Première assistante réalisatrice : Dorien Schetz
Story-boarders : Maca Gil, Juan De Dios Pozuelo, Dani Albadalejo, Javi Salvador, Pepe Sánchez
Chef animateur : César Diaz
Directrice de la photographie : Isabel de la Torre
Cheffe monteuse : Julie Brenta
Chef décorateur : Juanfran Jacinto
Chef de la fabrication des marionnettes : Eduard Puertas
Che es costumières : Alicia Velasco, Kristina Vorobyeva
Chef compositing : Sylvain Lorent
Directrice des voix françaises : Marie-Line Landerwyn
Montage des voix françaises : Charles de Ville
Monteur son : Charles de Ville
Musique originale : Laetitia Pansanel-Garric, Charles de Ville
Une coproduction : Citoplasmas Stopmotion (Espagne), Kinetic Armatures (Espagne), Cornelius Films (Espagne), Bigaro Films (Espagne), Vivement Lundi ! (France), Panique ! (Belgique), Pájaro (Chili), Nadasdy Film (Suisse)

Voix :
Eliza Cornet (Olivia), Gaspard Rouyer (Tim), Maia Baran (Ingrid), Tim Belasri (Lamine), Nadès Bibo Transia (Vanessa)

Crédit photos : © CITOPLASMAS / KINETIC ARMATURES / CORNELIUS FILMS / BÍGARO FILMS / VIVEMENT LUNDI ! / PANIQUE! / PÁJARO / NADASDY FILM_1

‘Amour apocalypse’… quel titre ! Et tout est dit dans ces deux mots qu’Anne Émond, avec subtilité et empathie, nous décline en brossant un incroyable portrait masculin, porté par son acteur principal, l’épatant Patrick Hivon

Tue, 20 Jan 2026 07:01:00 +0000

Le nouveau film d’Anne Émond, ‘Amour apocalypse’, signe nos retrouvailles avec une réalisatrice qu’on avait découverte il y a quelques années - en décembre 2019 pour être exact - une de ces personnes, qui, lorsqu’elles s’attaquent à un sujet, nous offrent le meilleur, la sensibilité en plus.
Aussi pour nous, spectateurs, c’est un peu comme avoir l’opportunité de retrouver une ‘copine’, une ‘amie’, une réalisatrice que l’on aime pour ses portraits sensibles, la photographie soignée de ses films et la tendresse qu’elle apporte au sujet qu’elle traite.

Réellement atypique et rarement montré à l’écran sous cette facette-ci, le personnage central, Adam, une personne qui a peur d’aller vers les autres, qui a peur du conflit et qui s’enferme dans une sorte de solitude ; est la somme de nombre de nos angoisses, de nos questionnements, le tout réuni en une seule personne. Mais loin de n’être qu’un catalogue de pathologies diverses, d’anxiétés révélées ou relevant des peurs que suscitent quantité de choses et d’évènements auxquels nous sommes confrontés - et Adam a une peur panique de la vie et des autres, du monde dans lequel nous vivons et du dérèglement climatique - ; l’histoire propose de nous inclure dans sa vie et de le voir évoluer.
Toute la force du scénario d’Anne Émond, est alors de réussir à installer un petit miracle d’équilibre sans pathos, sans se moquer de son personnage, mais en l’accompagnant et en le montrant tel qu’il est et tel qu’il souhaiterait être.
Et ajoutons qu’il est agréable de voir une réalisatrice s’attaquer à un aussi beau portrait masculin. Ce n’est pas rare à ce point, mais cela reste suffisamment anecdotique pour être souligné.
De l’impossibilité à communiquer, en passant par la recherche de l’âme sœur, ou peut-être tout simplement en quête d’une oreille attentive ; la réalisatrice nous happe dans son histoire touchante et réfléchie, où elle se joue de certains codes, osant le rire et la dérision, nous touchant avec sa sincérité et son espoir en l’amour, y ajoutant comme une petite touche d’insouciance qui transparait par instant.

On se souvient de son film ‘Jeune Juliette’, qui nous avait totalement enthousiasmé et mis du baume au cœur, un « Feel, Good movie » comme on les aime ; et ici, sans atteindre tout à fait à la même dimension ou à la même notion, c’est l’humanité qui est évoquée. Ce sont nos peurs et nos craintes, des plus intimes au plus révélatrices, qui sont au cœur du propos et qui au final nous offrent ce grand et beau portrait d’un être figé dans son ‘univers’, attentif mais surtout craintif.
Avec beaucoup de tendresse, la réalisatrice évoque un monde qui souvent nous échappe, celui de personnes qui ne se sentent pas comme les autres, celui d’êtres qui souffrent et peinent à exprimer où se situe leur souffrance, et pourquoi ils la ressentent. Et finalement, elle nous pose à nous la question essentielle : mais que ressentons-nous ?
Au delà du message tangible, s’en cache un autre moins évident mais plus pressant quant à l’état de notre planète et aux relations que nous entretenons les uns avec les autres. Si l’actualité nous désespère fréquemment, soyons heureux d’avoir des réalisateurs ou des réalisatrices qui osent s’affranchir de certains codes, lançant un avertissement tout en nous propulsant dans leur création, non exempte de défaut, mais assurément plus joyeuse !

Il y a au demeurant dans le film d’Anne Émond un dernier message qui nous échapperai presque quant à l’impact que peuvent avoir des personnes telles qu'Adam, qui finalement, réussissent à éveiller les autres à leur problème, ainsi qu’à des choses qui, en général, nous laissent indifférent. Un beau message d’humanité et un beau message de compréhension.

Un dernier mot sur ce cinéma. Il est évident que regarder tous les films, tout connaître, relève de la gageure ! Mais à nos yeux, nous avons souvent trouvé de très beaux sujets dans le cinéma québécois, des histoires originales et différemment traitées.
Nous nous étions déjà attardés sur ‘Chien Blanc’ de la réalisatrice Anaïs Barbeau-Lavalette ; ‘Le Déserteur’ de Maxime Giroux ; ‘Jeune Juliette’ d’Anne Émond (le voici) ; sur ‘Je m'appelle Humain’ de Kim O'Bomsawin (membre de la communauté d'Odana) ; ‘Nadia Butterly’ de Pascal Plante ; ‘La Déesse des mouches à feu’ d’Anaïs Barbeau-Lavalette ; ‘Invincible’ de Vincent René-Lortie ; ‘Dissidente’ de Pier-Philippe Chevigny ; sans oublier le remarquable ‘Dis-moi pourquoi ces choses sont si belles’ de Lyne Charlebois ; et le non-moins remarquable film d’animation ‘La Mort N’existe Pas’ de Félix Dufour-Laperrière !
Nous vous invitons à découvrir certains de ces titres - si ce n'est déjà fait -, reflets d'un autre cinéma et de thèmes souvent montrés d'une autre façon, à l'aune d'une culture différente.

Synopsis : Propriétaire d’un chenil, Adam, 45 ans, est co-anxieux. Via la ligne de service après- vente de sa toute nouvelle lampe de luminothérapie, il fait la connaissance de Tina. Cette rencontre inattendue dérègle tout : la terre tremble, les cœurs explosent... c’est l’amour !

Sylvain Ménard, janvier 2026

Casting :
ADAM : Patrick Hivon
TINA : Piper Perabo
ROMY : Élizabeth Mageren
EUGÈNE : Gilles Renaud
FRANK : Éric Kamala Boulianne
SCOTT : Gord Rand
TOM : Connor Jessup
ROSE : Leona Son
TAYLOR : Sienna Feghouli
DENIS : Denis Houle
SIMON : Jean-Carl Boucher
RENÉ : Benoît Mauffette
CATALINA : Arlen Aguayo Stewart
M. VEILLEUX : Martin Dubreuil

Technique
RÉALISATION ET SCÉNARISATION : Anne Émond
IMAGE : Olivier Gossot
CONCEPTION VISUELLE : Sylvain Lemaitre
ASSISTANCE À LA RÉALISATION : Cédrick Kluyskens
DISTRIBUTION DES RÔLES : Nathalie Boutrie, Jon Comerford, Hannah Antaki, Stephanie Holbrooke
CRÉATION DES COSTUMES : Patricia McNeil
MAQUILLAGE : Marie Salvado
COIFFURE : Nermin Grbic
MONTAGE : Anita Roth
SON : Stephen de Oliveira, Sylvain Brassard
MUSIQUE ORIGINALE : Christophe Lamarche Ledoux
ÉTALONNAGE : Jérôme Cloutier
EFFETS SPÉCIAUX : Louis Pedneault
EFFETS VISUELS : Olivier Masson
DIRECTION DE POST-PRODUCTION : Maëva François, Mélanie Gauthier
PRODUCTION : Metafilms Sylvain Corbeil
PRODUCTION EXÉCUTIVE : Anne Émond, Isil Gilderdale, Emily Harris, Donovan M. Boden, Harland Weiss, James Cunnigham, Dominic Thomas
DIRECTION DE PRODUCTION : Marie-Claire Lalonde

Liens :
La chronique de JEUNE JULIETTE : https://www.cinemaradio.net/news/jeune-juliette-la-surprise-de-cette-fin-dannee-153

L’interview : https://www.cinemaradio.net/news/jeune-juliette-linterview-de-anne-emond-154

‘ANIMUS FEMINA’, un film de Eliane de Latour sur nos écrans, un plaidoyer pour la cause animale et un message d’espoir

Sun, 11 Jan 2026 09:00:00 +0000

Plaidoyer sincère pour la sauvegarde de la vie sauvage, le remarquable et souvent ‘sombre’ « ANIMUS FEMINA » nous invite à repenser nos interactions avec le monde du vivant, celui-là même dont nous sommes issus et que nous observons, petit à petit s’anémier, décliner avant de disparaître. Au delà de l’évidence, du constat d’un inéluctable déclin où une forme de fatalité se mêlerait à un manque évident de volonté des politiques et à notre propre désintéressement de ce qui nous entoure ; le film adopte une approche volontairement humaniste, vue au travers du prisme de l’engagement de quatre femmes volontaires et résiliantes.

Loin de n’être qu’un film animalier de plus, « ANIMUS FEMINA » est certes un pamphlet, un vigoureux appel à la raison et à plus d’âme et d’empathie envers ce monde qui nous abrite, et où vivent tant de créatures que nous oublions régulièrement ; mais en sus une façon de comprendre que corriger les choses peut être à la portée de chacun, et que déjà une prise de conscience serait l’étape initiale dont tout découlerait.
Aussi loin de s’attarder sur la dénonciation, la réalisatrice Eliane de Latour tente de montrer avec ces quatre combats de quatre femmes hors du commun, quatre destins qui s’épaulent, engagés dans la même voie, celle qui consisterait à nous montrer que le choix appartient à chacun.
Ainsi si le cri d’alarme, la réflexion politique nécessaire et volontaire, sont assumés ; ils ne sont rien sans la prise de conscience, sans l’émotion qui nous gagne alors qu’on assiste à des duels contre la mort qui semblent perdus d’avance ; des images qui s’accompagnent de constats aussi durs que désespérants.
Et pourtant l’espoir est là, ne fut-ce que parce que ces quatre femmes se sont engagées à différents niveau dans ce combat, ensuite parce que sans espoir, rien ne demeure.
Nous avons été choqués parfois à la vision de certaines scènes et secoués à d’autres moments, nous faisant la réflexion que jamais nous n’avions assisté à un tel chaos (comme lorsque la caméra dévoile ces petites fiches des trop nombreuses victimes de l’indifférence ou de la bêtise humaine) ; mais jamais nous n’avons ressenti que le combat était perdu d’avance. Sans doute est-ce une des forces de ce film que d’avoir su montrer que l’espoir persiste ; et que chaque pas, chaque avancée que nous faisons ; est un pas de plus vers une meilleure compréhension de ce qui nous entoure, vers une harmonie avec le vivant.

Ce voyage (quel autre mot lui donner) est d’abord intime, personnel et profond. C’est une belle œuvre où la compassion et la force d’âme sont le maître mot, une œuvre qui nous invite à réflexion.

Synopsis : Ours, bisons, bouquetins, loups... dans un soleil d’hiver. Des présences dont nous nous sommes détournées. En dominant le vivant et en le détruisant, nous avons provoqué une crise sans précédent. Quatre femmes en lien avec la faune nous invitent à retisser les liens abîmés avec les mondes sauvages. Comment retrouver le chemin d’une cohabitation prospère ?

Sylvain Ménard, janvier 2026

AUTRICE & RÉALISATRICE : Eliane de Latour
MUSIQUE ORIGINALE : Piers Faccini, accompagné de Malik Ziad
IMAGE : Lucien Roux, Eliane de Latour, Sebastian Dewsbery, Thibault Mazars, assistés de Célestin Monteil
MONTAGE : Catherine Rascon, Emilie Orsini
SON : Grégory Le Maître, Matthias Joulaud, Guillaume Mollet
AUDIONATURALISTE : Fernand Deroussen
MONTAGE SON & MIXAGE : Philippe Grivel, Samuel Mittelman
PRODUIT PAR : Serge Lalou, Alexandre Cornu et Angèle Perrottet

UNE COPRODUCTION Les Films d’Ici Méditerranée Les Film du Tambour de soie, AVIDIA, Studio Orlando, CNRS
DISTRIBUTION : DEAN MEDIAS
AVEC LA PARTICIPATION de : TV5MONDE
AVEC LE SOUTIEN :
- Centre National du Cinéma et de l’image Animée
- Région Occitanie / Pyrénées- Méditerranée
- Région Provence-Alpes-Côte-d’Azur - Ministère de la Culture Département de la recherche, de la valorisation et du patrimoine culturel immatériel
- La Fabrique des écritures ethnographiques, avec le soutien de France Relance
- Scam* Brouillon d’un rêve
- La Copie Privée
Muséum national d’Histoire naturelle

TOUT VA BIEN ; une chronique sans pathos ni exagération, celle de l’apprentisage d’une vie ailleurs dans un pays d’accueil… Un regard sensible et humain, porté par la caméra du réalisateur Thomas Ellis

Tue, 06 Jan 2026 14:56:00 +0000

Le film de Thomas Ellis, ’TOUT VA BIEN’ fait partie de ces films qui probablement nous marqueront, non pas tant au niveau du propos et de ce qu’il décide de nous montrer, au final des péripéties qui ne nous apparaissent pas comme étant si différentes de ce que l’on sait ou que l’on a pu voir ; mais plus parce que ce qu’il nous montre, est fait d’une manière moins consensuelle, s’attardant sur leur vie, leur quotidien, partageant avec eux, et leur donnant la parole. Il s’agit en ce sens d’une immersion dans ce quotidien, dans ce qui s’avère être un long périple pour s’intégrer, s’assimiler, s’identifier à leur pays d’accueil.

Accompagnant ces jeunes gens dans leur intégration et leur difficultés quotidiennes, le métrage en s’appuyant autant sur un fond sonore original et vivant, que sur une observation « au plus près » des péripéties, déboires, interrogations, ou questionnements de chacun ; nous emporte dans des évocations personnelles, des témoignages touchants et vrais, une image de la vie telle que chacun pourrait la vivre.
Au delà des évidences que constituent la difficulté « à être », s’affirmer et se trouver ; confronté à d’autres coutumes et à l’apprentissage d’une vie dans un pays étranger, le film est sensible et profond, offrant une image de la jeunesse empreinte de positivité, éloignée en cela des clichés, même si certains ont la vie dure et s’avèrent trop souvent basés sur des réalités. Ce qu’il nous invite à observer ici, revendique clairement une volonté de montrer une réalité, celle d’une majorité de ces jeunes gens, femmes et hommes, qui sont une chance pour notre pays ; une opportunité de comprendre ce qu’est aujourd’hui le phénomène migratoire et d’en faire une force pour le pays qui saura les recevoir.

Synopsis : Quatre adolescents et une adolescente de 14 à 19 ans ont traversé des déserts et des mers, sans leurs familles. Après leur arrivée à Marseille, ces jeunes portent en eux l’espoir d’une nouvelle vie. Elle et ils apprennent un métier, une langue, un pays, des habitudes et répètent « Tout va bien » à leurs familles. Mais le véritable voyage ne fait que commencer.

Sylvain Ménard, janvier 2026

Technique :
Auteur : Thomas Ellis
Réalisateur : Thomas Ellis
Directeur de la photographie : Bastien Esser
1ère assistante image : Lola Humé
Cheffe monteuse : Catherine Catella, Léa Chatauret
Musique et sound design : Jeanne Susin, Oleg Ossina
Ingénieur du son : Sébastien Pont, Philippe Deschamps, Lucas Le Neouanic
Directeur de post-production : Romain Gaillard
Post-production image : Avoda, Gump, Les films du soleil
Post-production son : Polyson
Producteurs : Croline Nataf, Thomas Ellis
Producteurs associés : Thomas Morvan, Antoine Pezet
Distributeur : Jour2Fête
Les associations partenaires du film : AMNESTY INTERNATIONAL, LA CIMADE, LA CROIX ROUGE, EMMAÜS,FRANCE TERRE D’ASILE, LA LICRA, MÉDECINS DU MONDE, MÉDECINS SANS FRONTIÈRES, RIACE, LE SECOURS CATHOLIQUE, SOS MÉDITERRANÉE, SOS RACISME, UTOPIA 56

DAMIEN DORSAZ s’invite dans l’histoire avec le remarquable et bouleversant LADY NAZCA, une ode à la résilience et au courage envers et contre tous ! Le film sort sur les écrans le 10 décembre.

Sun, 30 Nov 2025 10:05:00 +0000

Si je vous parle de Maria Reiche, sans doute allez-vous être obligé d’aller piocher dans les pages de l’encyclopédie. Si je vous parle de Nazca au Pérou et des formes géométriques qui depuis toujours ont intrigué le monde entier, là vous commencerez peut être à voir où je veux en venir.
Maria Reiche est la femme qui a découvert et travaillé toute sa vie sur les ‘lignes’ de Nazca ! Femme hors du commun, habité par sa foi en l’étude et un courage inébranlable ; elle a vécu sa vie pour comprendre ce qu’étaient réellement les lignes, cataloguer et répertorier en premier lieu, avant de faire reconnaître ce qu’on nomme « les dessins » comme patrimoine primordial de l’histoire péruvienne, et site archéologique de premier plan.
C’est un beau sujet que nous offre le réalisateur DAMIEN DORSAZ, un magnifique portrait de femme, LADY NAZCA, avec l’actrice allemande Devrim Lingnau dans le rôle principal.

Le réalisateur Damien Dorsaz nous invite à découvrir par le biais de sa mise en scène (quasi parfaite), parfois nonchalante, mais toujours inspirée, une sorte de tableau permanent qui ne pourra qu’enchanter le spectateur. Grâce à un joli travail sur la photographie signée Gilles Porte, le film possède une colorimétrie extrêmement soignée ; où les plans qui s’enchaînent dévoilent ce qui semble comme tout droit sorti d’un roman, d’un grand film classique.
La jeune actrice Devrim Lingnau qui incarne Maria Reiche est possédée par le rôle, nous offrant avec passion, pas seulement une convaincante interprétation, mais une incarnation d’un portrait de femme incroyable et dont on peine à penser qu’elle eut pu exister en notre temps sans que jamais son nom ne nous soit parvenu. Guillaume Gallienne, quant à lui, offre un très beau portrait du personnage de Paul d’Harcourt, une interprétation tout en finesse et sans ambiguïtés.

Émouvant, parce qu’il faut de l’émotion, le film nous offre une évocation impressionnante de justesse ; non seulement celle d’une époque, mais surtout celle d’une passion, qui poussera une femme à embrasser une carrière, à se battre afin de protéger un site d’exception.
Il est étonnamment complexe de juger un film dont le sujet s’apparenterait à un Biopic, ou plutôt à la vie, quasi exclusive, d’une personnalité qui aura gravité autour de la découverte d’un site archéologique majeur, de son étude et de sa sauvegarde. On a pour habitude de parler d’abnégation… le mot n’est pas trop fort.

Et lorsque le spectateur découvre les images de Maria en train de brosser et nettoyer les traces qui forment les dessins ; quand on la voit, cheminer et pénétrer dans un paysage moins austère et presque bucolique ; on ne peut qu’être étonné par cette mise en scène d’une grande beauté, et dans le même temps, tellement intime et minimaliste.
Par pudeur, le réalisateur décide de ne pas s’abandonner à la facilité du baiser entre Maria et Amy, car tel n’est pas le sujet. Mais il souligne les choix que Maria Reiche du faire, et auquels elle fut toujours confrontée ; entre son bien-être, son affection pour les autres, son amour ; et cette tâche à laquelle elle s’était vouée corps et âme.
Nous n’oublierons pas d’ajouter qu’il y a bien sûr dans ce film une réflexion profonde sur la colonisation et ce que les Espagnols ont pu faire en arrivant au Pérou ; sur ce que d’autres pays, qui ont pris possession de terre qui ne leur appartenaient pas, ont fait.

Par petites touches, le réalisateur met en scène son histoire, en articulant la trame autour de son personnage principal, et ce faisant nous dévoile des paysages à la vision desquels nous ne sortirons pas indemne,… dieu que ce pays semble beau !
Comment peut-on réaliser un aussi beau portrait de femme, sans admirer les femmes ; comment peut-on faire un film sur la résilience et le courage, sans être soi même courageux ? Le parcours du combattant qui fut le lot du réalisateur, cette longue période de gestation de son film qui lui prit près d’une dizaine d’années, tout cela l’amène à cette minute précise et à ce moment où son film est projeté sur l’écran, et à cet instant où, en tant que spectateur, l’on se dit qu’il a réussi quelque chose de remarquable.

Combat courageux, vie hors norme ; le film sur Maria Reiche est une ode à la résilience, mais ça nous le savions ; un message à tous ceux qui se battent pour que la culture et l’histoire demeure, pour que les choses ne se perdent pas.

La belle image finale ne sera pas sans nous rappeler Le Petit Prince d’Antoine de Saint Exupéry, une colline, une silhouette écrasée par la magnificence du ciel étoilé… l’immensité et l’éternité dans le même plan. Quelle fin !

Synopsis : Pérou, 1936. Maria, jeune enseignante à Lima, rencontre Paul d’Harcourt, archéologue français. Ce dernier l’emmène dans le désert de Nazca où elle découvre un vestige millénaire qui va peu à peu devenir le combat de sa vie... Inspiré de la vie de l’archéologue Maria Reiche.

Sylvain Ménard, novembre 2025

LISTE ARTISTIQUE
Maria Reiche : Devrim Lingnau
Paul d’Harcourt : Guillaume Gallienne
Amy : Olivia Ross
Juana : Marina Pumachapi
Montoya : Javier Valdés
Bocanegra : Beto Benites
Capataz : Alberick García
Président du Congrès : Víctor Prada
Donicio : Jorge Pomacanchari
Mère de Juana : Catalina Silvestre Ore
Dolores : Alma Diego
Charles : François Vallaeys
Claude : Amaranta Kun

LISTE TECHNIQUE
Réalisation : Damien Dorsaz
Scénario : Damien Dorsaz, Fadette Drouard, Franck Ferreira Fernandes, Raphaëlle Desplechin, Aude Py
Produit par : Matthieu Zeller, Oliver Damian, Matthieu Gondinet
Producteur associé : Alexandre Mallet-Guy
Coproduit par : Timm Oberwelland, Magnus Vortmeyer, Peter Eiff, Tobias Alexander Seiffert
Directeur de production : Miggel
Directeur de la photographie : Gilles Porte, AFC
Direction artistique : Blanca Martínez López
Casting : Beto Benites
Costumes : Andrea Martorellet, Flore Vauville
Maquillage et coiffure : Loly Gimenez
Son : Omar Pareja
Décors : Renzo Bazan Marroquin
Coach langues : Valérie Drouot, Agustin Sullivan, Maryale Benites
Montage : Patricia Rommel, BFS
Musique originale : Nascuy Linares
Mixage : Matthias Lempert
Monteur son : Tobias Mahlstedt
Montage dialogues : Lajos Wienkamp
Une production : Octopolis, 27 Films
En coproduction avec : Memento Production, Tobis, Rotor Film, Digital District
Avec le soutien de : UNESCO, FFA, Medienboard Berlin-Brandenburg, Deutschen Filmförderfonds DFFF, CNC, Eurimages – Councel of Europe, BR, ARTE, CINÉ + OCS

Crédits photos : © Octopolis 27Films, Daniela Talavera

Maoussi de Charlotte Schiøler, c’est le film drôle, romantique et sincère qui débarque sur Arte… et c’est en décembre !

Sat, 29 Nov 2025 20:33:00 +0000

Une jolie comédie pour terminer l’année en beauté semble être une bonne chose. Le film réalisé et interprété (pour le rôle principal, celui de Babette) par Charlotte Schiøler, entre résolument dans cette case. Inventif - le film se structure autour d’une petite souris, la fameuse ‘Maoussi’ qui a élu domicile dans l’appartement de Babette - et original, l’histoire voit se tisser des liens entre la jeune danoise et son colocataire congolais. Loin de la bluette à laquelle on pouvait s’attendre, l’histoire bien au contraire est savoureuse et très humaine. Et même si le conte de fée pourrait ne pas durer, demeure l’espoir de voir se réunir à nouveau ces belles personnes…

Sur fond de différence culturelle, la crainte de l’autre et de nos relations à venir, ‘Maoussi’ nous offre deux jolis portraits, celui de deux personnes qu’à priori tout oppose, une danoise habitant Paris et un percussionniste congolais venu donner quelques concerts en France et qui va loger chez elle. Dans ce qui donne l’impression d’être une comédie romantique ; où se télescopent les réflexions sur le phénomène migratoire, les relations entre habitants de pays différents, les femmes et les hommes, tout ceci en fonction de la culture, sans oublier le poids des préjugés ; la réalisatrice Charlotte Schiøler, sans forcer le trait, finement, nous amène à nous interroger sur nous mêmes, nos désirs et notre façon de les présenter aux autres.
Observatrice, la réalisatrice nous invitera également à réfléchir à nos excès, à ceux qui consistent à penser qu’il faut applaudir à tout, rire de tout sans penser à ce que ça représente ; et à ceux qui soulignent une certaine mesquinerie ou un regard condescendant sur les autres.

On sourit et parfois on rit ; c’est un film tendre et joli, un conte qui nous permet de respirer sans nous prendre la tête ; une belle histoire qui nous change de ce que l’on a l’habitude de voir.
Et ainsi de fil en aiguille, la romance se change en histoire d’amour, en histoire entre deux personnes qui doivent apprendre à cohabiter, à exister ensemble. Et si la fin se veut mi-figue mi-raisin - une fin en mi-teinte avec sa morale qui nous rappelle que toutes les histoires d’amour ne durent pas une éternité - demeure un très joli spectacle, une histoire touchante avec ce qu’il faut d’espoir pour que rien ne soit gaché !

Le film Maoussi, réalisé par Charlotte Schioler, sera sur Arte à partir du 1er décembre 2025.

Synopsis : Quand par hasard, Babette est amenée à partager son appartement parisien avec Edo, un réfugié congolais, Maoussi, une souris en fuite, se pointe aussi et chamboule leur quotidien. Elle s’immisce entre les deux étrangers tel un enfant adopté, et les contraint à faire face à leurs attentes divergentes de l’amour.

Sylvain Ménard, novembre 2025

(France, 2024)
Réalisation : Charlotte Schiøler
Scénario : Charlotte Schioler, Jason Greiff, Mariane Plasteig
Production : CSE PRODUCTIONS
Musique : Christine Moreau
Costumes : Lisa Korn
Décors de film : Olivier Crespin
Photographe : Hugues Espinasse

‘Franz K’, de la réalisatrice Agnieszka Holland arrive sur nos écrans ; attention, c’est le film qu’il ne faut pas manquer cette semaine !

Fri, 14 Nov 2025 18:00:00 +0000

Sujet passionnant que celui du film de Agnieszka Holland… ! S’attaquer à la vie de Franz Kafka pouvait sembler être une gageure, mais à sa vision nous nous laissons emporter par la grâce de cette photographie soignée et délicate, par ce jeu d’acteur qui nous impressionne. Co-production entre la France, l’Allemagne, la Tchéquie et la Pologne, cette biographie est une fine observation de la vie de Franz Kakfa, pas réellement un biopic, sans doute un peu plus une biographie romancée, mais soulignée par une forme de recours au documentalisme qui en fait un objet à part !

Se livrant à de périlleux (parfois) aller-retours entre la ‘peinture’ de ce début de XXème et l’époque moderne rendant hommage au grand auteur qu’il est, Franz K. nous invite à découvrir le parcours étonnant, sombre et souvent austère de l’iconique écrivain. Entre face sombre - le spectateur se fera sa propre opinion - et éclat lumineux d’une personnalité qui aura marqué son temps, la réalisatrice observe assez finement cet homme et le met en scène (la séquence avec la machine à torture est stupéfiante d’audace et de modernisme) dans ses contradictions, ses élans (romantiques) et ses troubles.
L’acteur principal, Idan Weiss, teint pâle et maladif, renverrait presque à une autre figure emblématique de la littérature, Howard Phillips Lovecraft. Au travers de son accoutrement, sa morne apparence, son dédain du monde qui l’entoure et par opposition sa verve et sa ‘luminescence’, le personnage nous trouble et nous attire autant qu’il nous révulse dans son comportement.

Film stylé et d’une modernité sans faille, Franz K. est un film à voir absolument, une œuvre par instant vertigineuse, portée par des acteurs charismatiques et que le travail de photographie (superbe) rend plus proches encore.

Synopsis : Franz Kafka grandit dans la Prague juive, dans une famille de commerçants, parmi ses sœurs, sous le joug d'un père despote, auprès d'une mère portant le deuil de deux premiers garçons. L'écriture seule donne du sens à sa vie d'adulte. Coincé dans ses rapports compliqués aux autres, à la sexualité et à la religion, il traverse la vie tant bien que mal, et meurt de la tuberculose à 40 ans.

Sylvain Ménard, novembre 2025

Casting :
Idan Weiss : Franz Kafka
Peter Kurth : Hermann Kafka (de)
Jenovéfa Boková : Milena Jesenská
Ivan Trojan : Siegfried Löwy
Sandra Korzeniak (pl) : Julie Kafka
Katharina Stark (de) : Ottla Kafka
Sebastian Schwarz (de) : Max Brod
Aaron Friesz (de) : Oskar Baum

Technique :
Franz K
Réalisation : Agnieszka Holland
Scénario : Marek Epstein , Agnieszka Holland
Photographie : Tomasz Naumiuk
Montage : Pavel Hrdlička (
Musique : Antoni Łazarkiewicz, Mary Komasa-Łazarkiewicz
Décors : Henrich Boraros
Production : Agnieszka Holland, Šárka Cimbalová, Uwe Schott (de), Jorgo Narjes (de), Marcin Wierzchoslawski, Alicja Jagodzinska

‘Le cinquième plan de La Jetée’, un documentaire de Dominique Cabrera qui nous offre son « À la recherche du temps perdu »…

Mon, 03 Nov 2025 10:08:00 +0000

N’est-ce pas une ‘curiosité’ que d’avoir construit un film documentaire autour d’une image extraite d’un court-métrage emblématique ; la jetée de Chris Marker ? Mais au-delà de ce que représente cette démarche, se pose la question du souvenir, celui du personnage qui se retrouve sur une photo extraite du film où on le voit de dos avec ses parents à l’aéroport d’ Orly ; et plus prosaïquement, sûrement, celle de la mémoire et de l’image.
C’est l’histoire d’un photogramme* perdu dans des milliers d’autres (ce qui compose le film) ; et qui ouvre les portes d’une mémoire familiale et d’une page de vie, marquée du sceau de la politique et de l’histoire.

Plongée dans l’intime (ou peu s’en faut) d’une famille, celle de la réalisatrice, ‘Le cinquième plan de La Jetée’ est une œuvre étonnante qui incite à la réflexion, en nous invitant à partager cette quête, à la recherche d’un moment échappé au temps, un moment figé sur la pellicule d’un métrage…
Mais est-ce qu’il faut comprendre que là nous parlons bien d’une image extraite d’un film ? ; le film de Chris Marker, en lui-même monté, presque intégralement, à partir de photos et de plan statiques, car il n’y a qu’un seul plan dynamique !
Et pour le spectateur, il faut également comprendre que dans cette histoire-ci, il y a un film expérimental, considéré par beaucoup comme un chef-d’œuvre, un film, constitué de photographies en noir et blanc d’une durée de 28 minutes.
Terry Gilliam en tirera son film, L’Armée des 12 Singes, avec Bruce Willis dans le rôle principal, en 1995. On oubliera pas de mentionner également 12 Monkeys, une série de 2015 en 47 épisode, basée sur le même postulat.

Ce métrage s’inscrit donc dans une démarche spécifique, un peu dans l’esprit de « À la recherche du temps perdu ».
Ainsi cette quête d’un souvenir, d’une image qui marque une famille, porte en elle le sceau de l’identité et de la mémoire. Jolie déclinaison - et ce n’est pas donné à tout le monde de pouvoir s’y prêter de cette façon - le documentaire nous emporte dans un mouvement de quête instantanée et viscérale (parfois drôle et ‘en roue libre’), qui souligne la probabilité de la véracité du plan et le fait que jeune garçon de dos représente in finé le héros du film, personnage que l’on découvre par la suite.

L’implication de certains membres de la fratrie, l’imbrication des éléments, les coïncidences qui s’accumulent, le fait que Chris Marker lui même connaissait la famille Cabrera ; s’ajoutent à ce jeu de piste qui semble se bâtir sur cette ‘projection’ toute simple ; mais est-ce bien eux que l’on voit de dos ? S’agit-il bien de ces membres de la famille ?

Un film documentaire assez fou, poétique et décalé ; une œuvre presque abstraite par instant, mais infiniment nécessaire dans sa recherche d’une vérité (et ce quelle qu’elle soit), encore plus dans un monde moderne trop oublieux et auto-confiné !

Nous avions eu l’occasion de parler de l’ouvrage consacré à Dominique Cabrera et sorti en 2023, dans l’article « DOMINIQUE CABRERA ; LA CINÉASTE & LA FEMME ENGAGÉE »

SYNOPSIS : Le cousin de la réalisatrice, Jean-Henri, se reconnaît dans La Jetée de Chris Marker. Il est là de dos, avec ses parents sur la terrasse d’Orly dans le cinquième plan du film. Aucun doute, il reconnaît ses oreilles décollées. Et si c’est lui, il est le héros du film, enfant... Dominique Cabrera est immédiatement happée par cette enquête intime et historique ; quelle était la probabilité pour que Marker et les Cabrera choisissent le même dimanche de 1962 pour se rendre sur la jetée d’Orly ?

Sylvain Ménard, novembre 2025

* Le photogramme est le nom donné aux images d’une pellicule ; il s’agit de l’image extraite d’un film

Le cinquième plan de La Jetée (Documentaire, 2024, 97 minutes)
Ecrit et réalisé par Dominique Cabrera
avec la collaboration d’Edmée Doroszlaï
Image : Karine Aulnette
Montage : Sophie Brunet, Dominique Barbier
Son : François Waledisch
Montage son : Elias Boughedir
Mixage : Nathalie Vidal
Trucages : Mariana Pottier
Décors : Etna et ADP Orly
Etalonnage : Magali Leonard
Musique : Béatrice Thiriet, Elise Bertrand (violon), Oscar Turbant (mandoline)
Produit par : Ad Libitum - Edmée Doroszlaï, Emilie Dudognon,
Grégory Ghersy, Caroline Glorion
En association avec ARTE France - La Lucarne
Avec le soutien du Centre national des arts plastiques
(Image/Mouvement)
Ministère de la Culture et de la Communication
Avec la participation du Centre national du Cinéma et de l’Image Animée
Avec le soutien de la PROCIREP - Société des Producteurs de
Cinéma et de Télévision et de l’ANGOA
Avec le soutien de Brouillon d’un rêve de la SCAM - La Culture avec la Copie Privée

Lien : https://www.cinemaradio.net/news/dominique-cabrera-la-cineaste-la-femme-engagee-324

Sortie sur Canal +, la série ‘Les sentinelles’ est une incursion réussie dans une réalité alternative de la première guerre mondiale…

Thu, 09 Oct 2025 12:30:00 +0000

‘Les sentinelles’ : la série de Canal+ nous emporte dans un monde en pleine mutation, où l’horreur des tranchées et de la grande guerre, rencontre une technologie balbutiante créée à seule fin de gagner des guerres et de survivre contre l’ennemi. Parsemé d’éléments qui renvoient à l’uchronie et au films de docteurs fous créateurs de monstres (dans le genre il y aura eu le film OUTPOST, mais là c’était avec des nazis), la série adapte la bande-dessinée en quatre tomes scénarisée par Xavier Dorison et illustrée par Enrique Breccia (dessins et couleurs). Dans l’optique qui était déjà celle de la BD à l’époque, les créateurs de la série, s’emparent de cette page d’histoire que tout le monde pense connaître, et lui adjoignent ces couches de rétro-futurisme, voire de steampunk, qui alimentent une uchronie, le fameux « et si » (what-if en, anglais) se déroulant en 1915 durant la première guerre.

Parier sur l’arrivée d’une série telle que celle-ci, reste complexe. D’abord en regard de la frilosité ambiante. On parle évidemment de celle de la presse (certaines critiques sont incompréhensibles, injustes et mal construites), celles des ‘chroniqueurs’ et ‘youtubers’ de tout type, dont la capacité à aligner trois mots reste sujette à caution, est hors sujet et ne vise bien souvent qu’à augmenter le nombre de leurs abonnés. Ensuite parce qu’il y a en France une ‘omerta’ sur le fantastique, et nous avons eu l’occasion d’en parler lors de la sortie de certains métrages, où les producteurs n’aiment pas le genre, le décrient et le soutiennent peu.

Les personnages sont bien campés, leur passé et leurs motivations apparaissent clairement à un moment ou à un autre, et la trame en elle-même, en mixant plusieurs genres - dont le film de guerre, les super soldats, les savants fous (quand même un peu, il faut le reconnaitre) et l’histoire, celle de la grande guerre - crée un ensemble attractif, bien filmé et qui vous tient en haleine !
Le travail sur la photo et les décors est excellent, et les caractères (on parle de la conception des personnages, du charadesign) ont bénéficié de développements très minutieux, nous proposant toute une galerie de portraits au traits burinés, au faciès meurtri ou parfois semblant surgir de gravures ou de photos d’époques. Sans excès de caricature ni de facilité ‘consensuelle’, nous découvrons des personnalités diverses auxquelles nous pouvons nous assimiler - du directeur du journal, à l’épouse en deuil, aux trafiquants d’informations, en passant par les héros, surhommes ou simplement officiers las de la guerre et colonels avide de réussir au service de la patrie, quant ce n’est pas juste pour la ‘gloriole’. Autant d’âmes damnés ou perdues, d’autres en quête de rédemption, et le lot commun de dangereux, profiteurs de tous types, des personnages parfois paumés, jamais inintéressants.

Alors, certes il y a quelques longueurs (peu il faut l’avouer), quelques plans curieusement répétés (ceux des champs dans les épisodes de fin), mais l’ensemble se regarde avec un vrai plaisir de cinéphile, et pour peu que vous ayez lu les quatre tomes de la BD, la série a judicieusement choisi de transformer certaines péripéties afin de mieux coller à la dynamique cinématographique, gardant la substance première de l’œuvre originale, la grande guerre, les super soldats, cette ambiance spécifique.

Rares sont les séries (ou films) de guerre, portant sur la première guerre mondiale qui avaient opté pour une approche aussi audacieuse. Si l’on fait exception de Chroniques Mutantes en 2008 ; qui offrait une vision d’un monde rétro-futuriste et d’une guerre qui faisait rage entre deux factions, avec quelques très bonnes idées comme ces mutants surgis de la terre ; nous aurons rarement été emballés par les quelques adaptations entraperçues de ci de là.
Souvent on cite L’Armée des douze Singes comme étant une uchronie, or il n’en est rien. L’action se déroule dans un futur post-apocalyptique (qui n’a rien à voir avec une date précise de l’histoire telle que nous la connaissons et qui aurait été modifiée), avec des tentatives de voyage dans le temps pour ‘corriger’ l’histoire de ce futur lointain. Pour sa part le film d’animation japonais Jin-Roh, la brigade des loups, est une véritable uchronie, l’action se déroulant dans le japon d’après guerre (une période dont nous avons connaissance), dans une société totalitaire et répressive.

C’est le philosophe français Charles Renouvier, qui en 1857 a inventé le terme « d’Uchronie », qu’il définissait comme une utopie dans le temps ; mais qui bien souvent prend la forme d’une description d’évènements que l’on sait ne pas avoir eu lieu et qui deviennent le point de divergence de l’histoire ; le Japon gagne la guerre, les États-unis sont conquis, etc… Ainsi sommes-nous confrontés à l’effet domino, ou la situation existante est remplacée avec les conséquences que l’on imagine, le cours de l’histoire en étant modifié.
Les grands auteurs ont comme noms : Norman Spinrad, Philip K. Dick, Philip Roth, Johan Heliot, Roland C. Wagner, Kim Stanley Robinson, Poul Anderson, ou encore David Lloyd… même Stephen King s’y est essayé !

De la sorte il s’agit bien d’une « histoire alternative » qui nous est contée dans la série produite par Canal + ; ou science-fiction et guerre en ce début de XXème siècle font bon ménage, alors que les véhicules motorisés remplacent à peine les chevaux, mais où un homme peut se retrouver pourvu d’une puissance inouïe et d’une capacité de régénération hors du commun.

Uchronie, ambiance parfois steampunk, violence de la guerre, histoire d’espionnage et d’amour, tous les éléments semblent s’accorder pour nous offrir un spectacle de choix avec ‘Les sentinelles’ !

Sylvain Ménard, octobre 2025

Le film d’animation ‘LA MORT N'EXISTE PAS’ de Félix Dufour-Laperrière, est un conte sombre et presque sans espoir, un drame destiné à un public averti !

Fri, 26 Sep 2025 18:50:00 +0000

La mort n’existe pas est un film d’animation dramatique, tragique, qui sous la forme d’un conte nous emmène dans une sorte de promenade lancinante, entre dimension fantastique et ésotérique. Dans cette allégorie sur le pouvoir et les choix qui nous incombent, nous voyageons dans la psyché du personnage central, effectuant comme des retours en arrière, partageant avec elle ses doutes, mais aussi son imperfection et ses craintes quant aux choix qu’elle fait, les décisions qu’elle prend, les réactions que provoqueront ses actions !

La mise en scène sait se faire surprenante et presque dérangeante, avant-gardiste, sans toutefois embrasser un caractère expérimental ; devenant finalement réflexion philosophique sur le choix, la mort et le destin.
Porté par une musique intrigante et très belle, le film s’ouvre sur un jardin peuplé de sculptures, parfois effrayantes et qui déterminent à elles seules une ambiance à part. Image de corps statufiés, perdus dans le feuillage et les fleurs ; couleurs jouant sur trois ou quatre tonalités, le film prend des allures de tableau poétique, étrange, celui d’un ‘possible’ sublimé par la volonté du cinéaste.
Ainsi la poésie n’est pas absente du métrage, loin s’en faut, et le spectateur percevrait comme une inspiration, venant d’un auteur et d’un cinéaste comme Jean Cocteau, l’ambiance même épousant une forme plus abstraite et ce faisant plus inquiétante.

Bel exercice de style sur un sujet fort ; le propos est mis en valeur par une animation d’une grande clarté ; avec ce trait assez caractéristique, dessinant comme des épures, un trait empruntant en quelque sorte à l’école européenne, qu’elle soit d’animation ou de bande-dessinée.
Visuellement et esthétiquement, le film est particulièrement surprenant et bien fait ; offrant au spectateur des scènes qui pourraient paraître dérangeantes pour un jeune public - et le film n’est pas destiné à un jeune public - des scènes ou la maturité et la violence paraissent se mélanger, comme celle des attaques de chiens-loups ou les images de chairs se reconstituant. L’image perturbante d’une forêt gigantesque engloutissant, telle une vague, tout ce que l’homme a construit ainsi que l’homme lui-même, nous hantera longtemps.

Si le cinéma d’animation, c’est relativement peu confronté à des sujets métaphysiques ou philosophiques ; il a produit quelques œuvres où la réflexion, quant à des dimensions spirituelles étaient dignes d’intérêt. La part humaine et sociale dans ce film est aussi nettement prédominante, soulignant la lutte des classes et sa remise en cause par certains même si les contestations demeurent.

Le film semble évoquer à nos yeux ce qu’on s’attache à décrire comme « la seconde chance » ; et la possibilité que nous aurions (aurions eu ?) de faire les choses différemment ; mais au final est-ce que tout cela ne s’inscrit pas dans un cycle, un cercle sans fin dont on ne saurait sortir ?

Le film a été sélectionné à Cannes pour la Quinzaine des Cinéastes cette année et a concouru au festival d’Annecy.
Il sort ce mercredi 1er octobre.

Synopsis : Lors d'un attentat contre de riches propriétaires, Hélène abandonne ses compagnons et s’enfuit dans la forêt. Manon, son amie et complice lors de l’attaque, revient la hanter, pour lui offrir une seconde chance. Ensemble, elles affrontent le choix impossible entre violence et inaction. Si c'était à refaire, jusqu'où Hélène irait-elle cette fois au nom de ses idéaux ?

Sylvain Ménard, septembre 2025

LA MORT N'EXISTE PAS
Animation ; Canada-France ; durée 1h12

Voix :
Hélène : Zeneb Blanchet
Manon : Karelle Tremblay
Marc : Mattis Savard-Verhoeven
Vieille dame : Barbara Ulrich
Enfant : Françoise L
Martine : Marie B.
Rémi : Félix Dufour-Laperrière

Technique :
Réalisateur : Félix Dufour-Laperrière
Scénario : Félix Dufour-Laperrière
Montage : Félix Dufour-Laperrière
Son : Olivier Calvert, Samuel Gagnon-Thibodeau
Mixage : Hans Laitres
Musique originale : Gabriel Dufour-Laperrière
Production : Embuscade Films, Miyu Productions
Producteurs : Nicolas Dufour-Laperrière, Félix Dufour- Laperrière, Emmanuel-Alain Raynal, Pierre Baussaron

CIVIL WAR’, film du réalisateur anglais Alex Garland : un an plus tard !

Tue, 23 Sep 2025 10:50:00 +0000

Il y a plus d’un an sortait ‘CIVIL WAR’, réalisé par Alex Garland. Si l’on considère que ce type de film n’est pas nouveau - postuler sur la façon qu’aurait de se développer une guerre civile aux États-Unis - son traitement est ici plus axé sur le point de vue des journalistes (spectateurs et voyeurs) et sur la violence gratuite et la barbarie (les scènes de charniers sont tétanisantes) qui résultent de ce fossé que l’on constate entre les belligérants, les deux factions.

Or, aujourd’hui, la situation politique américaine, avec les déclarations outrancières des membres du gouvernement et du président lui même, donnent à ce film une toute autre dimension. Nous avons de fait un état qui n’hésite pas à menacer et à revendiquer ce qui ne lui appartient pas et à opprimer une partie de sa population. Et outre ces faits s’ajoutent des notions xénophobes et sectaires particulièrement dangereuses, qui entérinent des attitudes et des comportements rétrogrades.

Ce métrage est-il prophétique, ou reste-il tout simplement une porte ouverte sur des possibles, qui à l’heure où nous écrivons ces lignes se renforcent peut-être, alors que nous ne pouvons que constater la déliquescence du système ?
Il y a le constat - nous ajouterons l’actualité récente avec les tentatives de limogeage de personnalités télévisuelles et du journalisme opposées au gouvernement, comme Jimmy Kimmel - et il y a l’observation de la situation, la paupérisation, l’ostracisme (voire le racisme), l’accroissement du nombre de sans abris, les décisions prisent par des ‘politiques’ incompétents et parachutés par un pouvoir en place.

Ainsi parler de fractures et de dissension au sein de la société américaine, c’est un peu un euphémisme. Et ce que raconte le film (sorti en début d’année 2024) ne faisait qu’entériner des faits que nous connaissions par ailleurs sur ces fractures et cette volonté presque affichée de monter les gens les uns contre les autres.
L’impact de CIVIL WAR demeure t-il toujours aussi fort, et nous prend t-il toujours autant aux tripes ?
Encore plus dirons-nous… le film est étonnamment crédible, surfant sur des mouvements visibles et évidents.
Sans doute, plus aujourd’hui qu’hier, il vous scotchera à votre fauteuil et vous emportera réellement là où il faut aller, dans une remise en question de ce qui se passe depuis plus de trente années aux États-Unis. Car nous parlons bien d’un pays que nous adorons, dont on aime les habitants - mais qui demeure le plus grand danger pour tous, tant ce pays n’existe que pour lui même et qu’il pense devoir dominer les autres…

Alex Garland nous offre avec CIVIL WAR un brûlot, une œuvre qui ne résulte pas d’un délire de scénariste et qui peut sonner comme un avertissement. Réflexion, remise en question… l’Amérique de 2025 nous interpelle et nous inquiète dans ses excès et cette ‘folie’ galopante qui renverrai à ces récits de sociétés fictives totalitaires - on parle bien de dystopie - celles des romans et des films… mais la réalité est finalement bien plus inquiétante !

Sylvain Ménard, septembre 2025